我来教你怎么“抄”

今天我们来聊一个敏感话题，到底能不能抄别人的设计？我知道提到“抄”这个字，很多人是深恶痛绝的，对于照搬照抄的行为不齿。高举原创大旗显然没错，但原创设计也并非无源之水，思想需要用实体进行表现落地，那这些元素、材质、工艺、表现手法是否要求设计师纯原创呢？显然不可能，我们无法拒绝前人智慧的成果，只有学习并积累以往经验才能不断进阶。这样一说大家都懂，但我并不是要为抄袭这种行为平反，我说的“抄”≠山寨≠照搬照抄，“抄”指的是、临摹、借鉴、分析。

举个栗子，看以下图片。

前几年众泰汽车开启山寨模式，不断照抄名车成熟车型，众泰皮尺组永远忙碌在各大车展，一时间“保时泰”名震江湖，成为撩妹神器。这种行为就是彻底的照搬照抄，没有创新度可言。

继续再举个栗子，再来一组图

Muuto Nerd Chair 书呆子椅，这款椅子因为独特的斯堪的纳维亚式的风格，在2011年获得了Muuto人才奖。看看这流畅的线条，微微前倾的座面，优雅精细，手感还很不错哦。放到家里哪都很瞩目。Muuto Nerd Chair 原本价格应该是5000多人民币，然而某宝上一搜“书呆椅”或者“北欧设计师椅”，会出现很多这样“一毛一样”的椅子，只需要小几百块钱，少则100多，多则700多。

然而我们对比一下，就好像看到整容脸遇到真颜的尴尬局面，明显可以看出山寨品显得十分没气质，弯腰驼背不笔挺，很僵硬不自然，因为弯曲工艺和审美水平的限制，曲线模仿不到位，放家里也显廉价。造型不到位，多半是技术达不到。但是材质也让人担心，很多这样的椅子只有椅子腿是木头的，座面和靠背都是塑料材质，就怕一200斤胖子坐上去就塌掉了或者翻仰过去，小孩子坐在这样的椅子上也很不安全。

这就是彻头彻尾的“山寨”和照搬照抄，没有技术含量和创新思想，做设计如果抄到这程度，那基本没啥底线也没有进阶的可能了。

再继续举栗子，且看以下对比图：

左面是中国明清风格中经典的圈椅，它设计精巧，简约而不简单，体现了中国文人气息，旷达高远，又表达了外圆内方的处世哲学，是艺术与技术的圆满结合。右面是Y椅，是椅子设计大师汉斯·瓦格纳经典作品之一，Hans J.Wegner的家具设计与中国明清家具有着很深的关系。椅背的Y字型，去繁就简，结合了意象上的抽象美与人体工学功能，让端庄严肃的太师椅，变得灵巧生动，时尚又不失优雅，所以这把椅子，也被称为中国椅。但是我们能够直观的发现，椅子中没有任何一点照搬照抄的山寨行为，但是它的韵味却与中国圈椅有相通之处。这显然不是简单的模仿，而是某种意义的符合现代审美和工业生产的改良，这才是更高境界的“抄”。

类似的还有温莎椅和宜家诺勒利椅

蛋椅和宜家阿维卡椅

他们都不是简单的抄袭，而是在一定基础上进行的借鉴学习，改良和升级，使其更加符合当下的生活空间尺度和工业生产需求，以及当代人的审美水平。

我今天要讲的“抄”，抄的不是表象，模仿的不是形式，而是洞察背后的规律和思维方式，借鉴—学习—升级。OK，那如何才能用正确姿势“抄”呢？我们学设计，首先要懂得设计语言，我们要将借鉴对象的语言读懂，才能深度解析。说句简单话，就是你要把复杂的造型色彩体系掰开揉碎，变成更纯粹的“点线面”，继续举例：

把Y椅掰开揉碎之后，就是这一堆线条，大家发现了什么？很简单很有序对吗？但是给你一堆这种点线面，你能快速认知并组合出实用的椅子吗？我们真正缺乏的不是对于点线面的认识，而是缺乏对于设计语言的驾驭能力，也就是说如何进行打散重构搭建，使之成为有视觉张力有表现力甚至有生命力的能力。

这恰恰是我们需要“抄”的目标，运用具体的设计语言学会分解和构建，更终形成具有秩序、符合审美需求的面貌。

对比一下两幅图，第一幅是典型的平面构成，第二幅是大兴国际机场的照片，我们通过对比惊奇的发现，他们的构造如此相似，运用基本设计语言——点线面，竟然能构建出如此震撼的效果。

让我们反向思维，如果将一幅出色的室内或建筑设计作品平面化，是否能够从中获得表面造型背后的规律呢？带着这种思路继续看以下两个例子：

 通过对比，我们清晰的看到了表象背后的规律性，通过点线面的分解组合变化，制造出节奏感和美感。如果我们将大师落地作品中的造型规律和色彩规律进行总结和分析，进而就能理解大师的理念和思想。

继续用来说明如何操作，我们以邱德光老师北京市朝阳区懋源·璟玺作品为例：

很多设计师看到好的作品，看完之后，第一反应 哇！ 真TM好看！做的第一个动作就是存下一个立面或者顶面，下次可以用。这是更低端的“抄”，这样抄完没有任何好处，也不会促进自我成长。

我们看作品从表象效果出发，首先分解设计语言，分析点线面的组合构建方式，色彩的系统，思考大师为什么这样做？这个作品中他想表达什么？又通过什么手法形成了更终的效果？

看作品的顺序应该是由浅入深，由表象到本质，这样的：表象造型——色彩系统——设计语言——思维方式。

还要清楚的了解到大师作品的变化，需要注意的是大师之所以成为大师正是因为不断思考，不断颠覆，不断迭代升级设计观和设计思维，才一步步超越众人，脱颖而出的。

通过以上两幅作品看一下邱德光老师风格变化，从表面看来，两幅作品无论风格色彩造型差距极大，判若两人之手。那究竟是什么原因让“新装饰主义”邱老师的风格发生如此大的变化呢？

先不着急给出答案，继续看懋源·璟玺作品其他空间：

这些作品和邱德光老师以往作品有很大区别，我刚开始也很困惑，是什么原因让一位业界大咖有勇气和动力颠覆自己，是因为“风潮”吗？跟风作品注定没有生命力，后来看了邱老师的访谈，才明白表象背后的深层思考。

因为近几年客户群体不断年轻化，更加年轻化的都市新贵他们更有全球化视野和审美眼光，对于家空间的需求和以往有巨大差异化。需求变化了，设计方式必须变化。

中国的新贵们梦想并渴望什么样的居住环境？在充分享有物质的丰裕后，他们追求的是什么样的「奢华」？如何将他们的个性、趣味及内在世界通过设计表达出来？这就是邱老师在这些作品中思考并尝试解决的问题。

这个系列就以「都会新贵」命名，迎合年轻一代新贵的审美需求。设计师可以说是「观念的编辑者」，设计的形成，始终由对时代思潮及人们思想观念的洞察出发，这部分“新贵”有这样的特质，他们拒绝标签、打破常规、思维审美全球化、去风格化。

这样我们再回头看邱老师作品风格的改变，是不是秒懂了？不是什么流行趋势，也不是“跟风”，而是因为客群需求变化而进行的设计迭代升级。

作品背后的信息量巨大，如果仅看到表面，只能走马观花，抄个皮毛而已。

你以为这就够了吗？继续向下挖掘，干货来了。

把作品中的色彩去掉，细节简化，能看到什么呢？

发现一个规律，第一，方形-直线分析，直线方形与曲线-圆形比例从8:1演变为8:3 。 第二，点线面分析：体、面更多，点状装饰减少 。  这是我们分析作品的第一步，从造型入手来“抄”。

继续分析：

将图中细节进一步简化，只留下块面，从块面关系来分析，我们会发现邱老师作品中产生了更多留白，更注重节奏和比例。再进一步分析，还会发现留白的空间与有物的空间的比例关系，通过对点线面比例和块面比例的总结归纳，不难找出其中的规律。

继续深入，我们解密一下大师的色彩系统是如何建立的。

看一组对比图：

上面两幅是大师作品，下面两幅是著名画家赵无极的作品，大家发现了什么？你会惊奇的发现，设计作品中的色彩在画家画面里都有，这是咋会事？难道大师也在“抄”？这就是大师的高明之处，其实很多设计师作品里面都有艺术家的影子，这种借鉴不是简单的模仿，而是分析解构，将艺术品中的色彩变成空间中的色彩系统。

再看看这几幅是不是更加明确了？这就是大师作品色彩的秘密，一般人都不告诉的秘密。除了艺术品之外，还有奢华品也是色彩系统建立的重要参考。

以上是Versace 2017 SS 紫色系列

 以上Prada 2017 蓝黄系

以上Hermes经典橙色

这是色彩系统建立的两个重要方面来源，我们了解了大师的灵感来源方式，也能用这种方式来找到自己作品的灵感，进而建立自己的系统，这才是从“抄”表面到“抄”理念的正确方式。而通过分析我们更能发现一个问题，大师的思维方式并不是感性的，而是理性的，他们会用极为有条理的理性思维去设计作品，安排方圆曲直，斟酌点线面的比例，推敲每块色彩的位置。很多设计师愿意把自己打扮的像“艺术家”，这当然没错，在客户面前独特形象是软实力，但千万别把自己真的当成艺术家，用艺术家的感性思维方式做设计，必败无疑。

以上是以一位大师作品为例，给各位小伙伴讲解了“抄”的正确姿势，抄不是照搬照抄，而是找到规律、理解理念、了解思想，符号 元素 特点 造型和手法，这是更表象也是更浅层的知识，而找到规律后，可以学习大师设计中的一以贯之的标签符号，尝试形成自己的设计标签和符号，使之成为一个代表自己的“印章”。

模仿--借鉴--分析，设计是理性大于感性的行为。从设计思维和设计观入手，理解设计语言与色彩系统，反复训练，更终形成属于自己的设计表达方式。

这才是我要说的天下文章一大“抄”！